Los efectos en la animación

Para animar a nuestros personajes utilizamos una serie de recursos que nos proporcionan una serie de recursos que nos dan un efecto visual suave y fluido. Estos efectos crean distorsiones a veces importantes, en la estructura de nuestros personajes, pero los cambios se producen a tal velocidad que son imperceptibles para el ojo humano. La correcta aplicación de estos efectos en la animación nos procura la misma sensación de realidad que la imagen viva.

Goma

Es la característica más común de toda la animación independientemente de la acción que haya que animar, la goma nos permite una fluidez visual y nos ayuda a realizar una animación dinámica y perfectamente comprensible por el espectador. 

Aplicamos siempre goma, tanto en animaciones sutiles como exageradas.  Utilizamos nuestra imaginación y sentido común para animar con goma sin perder de vista la masa del personaje. Se trata de crear distorsión, pero manteniendo la masa. 

En animación, dividimos la goma en:

-Aplastamiento (Squash). 

La relación de estos dos conceptos con las leyes de Newton es absolutamente directa. 

En animación de una pelota, el efecto goma se puede aplicar perfectamente basándose en leyes físicas naturales, pero en el ejemplo de una bola de acero, o el de una burbuja de jabón, observamos efectos externos. Mientras que la bola de acero no se deforma por una fuerza exterior ni causa. 

Una reacción en sentido contrario, la burbuja se encuentra en una deformación constante y cualquier fuerza exterior, por mínima que sea alterara su forma y trayectoria.

LAS FUGAS (FILLAGES)

Son líneas de movimiento que acompañan a la acción cuando esta rápida y dinámica. Es el uso opcional y el espectador no suele percatarse de ellas, pero pueden enriquecer y hacer muy fluida la acción.

LA IMAGEN MULTIPLE

Se utilizan en aquellas acciones en que los brazos, objetos, piernas o cualquier parte del personaje se mueven a gran velocidad. Utilizar adecuadamente este efecto significa conseguir la ilusión de movimiento sorprendente y efectivo. Por la velocidad que implica una acción en la que sea necesario usar imagen múltiple, hay que poner especial cuidado en aplicar el efecto sin hacerlo evidente al ojo humano, de lo contrario, más que conseguir la fluidez necesaria, podría entorpecer la acción.

BLUR
Consiste en difuminar total o parcialmente la animación del personaje y reemplazar la acción por un borrón. Este efecto permite crear velocidad externa en movimiento. Lo ideal es emborronar el personaje con sus propios colores para conseguir un efecto visualmente atractivo.
También se utiliza para crear un “recuerdo “de una acción muy rápida, por ejemplo cuando el personaje sale a toda velocidad de encuadre.          

LOS GOLPES CINETICOS

Este efecto se utiliza cuando el personaje tiene el objeto de golpear al otro, por ejemplo en las caídas o en los choques, etc.
El efecto producido es una especie de “estallido” que al acompañar la acción en el momento adecuado, acentúa perfectamente impacto y le da mayor énfasis. Bastan tres flujos para conseguir un buen resultado.  

  

      

Ejes y Conceptos Iniciales para Animación

La Animación Cuadro a Cuadro o Animación Tradicional

La Pose

Una condición natural o característica que debemos buscar es la pose, desde lejos podemos reconocer a una persona por su andar, por su forma de moverse, por su gesto así pues cuando se refiere a la pose se relata a que el espectador dando un simple vistazo al personaje pueda ver todo aquello que deba ver. 

Por lo tanto nuestro trazo debe expresar encanto, comunicación, magnetismo y simplicidad. Los personajes sea cual fuere su personalidad deben estar en condición de transmitir, un estado ánimo y actitud.

Por medio de la pose logramos que cualquier personaje incluso cualquier objeto cobre vida suficiente como para transmitirle al espectador una gama alta de sensaciones, y al mismo tiempo siga siendo un objeto de la vida común.

Los Ejes de Acción

Debemos aprender a dibujar personajes con un conjunto de líneas simples e imaginarias estos dotaran a los personajes de equilibrio y estabilidad independientemente de la acción que realicen y que ayudaran siempre a construirlo en su perspectiva correcta. Los mismo nos ayudan a definir la forma y conservar parte de la corporeidad de sujeto no debemos olvidar que aunque sean personajes Toon la distorsión en algunos casos causa un efecto contrario es decir comunicara erróneamente la concepción expresiva que se quiere enunciar. 

El eje de gravedad mantiene al personaje en equilibrio. No solo en equilibrio estático del suelo sino también en su posición y en dinámico cuando se halla ejecutando una acción. 

Los ejes de hombros y caderas ayudan mostrar la perspectiva y el volumen del personaje, ambos ejes en acción pueden ir en direcciones opuestas creando un balance cuando el personaje necesite realizar una acción, el giro o inclinación de uno de los ejes provocara un movimiento del otro en dirección opuesta y a una velocidad proporcional, los dos ejes giran siempre condicionados por el eje de gravedad.

Línea de Acción  

Como hacer las líneas de acción

Esta es quizás una de las más importantes que abordaremos y es la que por defecto debemos tener en cuenta en la animación, la línea de acción se extiende a lo largo del personaje en su acción principal. La misma refuerza el efecto dramático la intención del movimiento en su expresión. Lo usual es dibuja las poses de nuestros personajes partiendo de la línea de acción y sobre ellas dibujar las distintas estructuras solidas que poco a poco irán componiendo toda la tipología.

Toda la tipología y energía se organiza a partir de la línea de acción con ellos se consiguen dos efectos importantes: por una parte acompañar una acción principal y dotarla de dinamismo e intención; por otra obtener una estructura simple y clara del personaje que nos lleve a un entendimiento correcto de la forma.

Paso por paso 

Ahora que repasamos estos conceptos tenemos que tomar tiempo para empezar a practicar de la forma más básica con animación paso a paso, recuerda es mejor percibir el movimiento y lograr ese dinamismo que enfocarte primero en afinar aspectos estéticos del personaje por lo general eso se hace en los acabados. Entonces pongámonos en marcha e iniciemos animando paso a paso y lo más sencillo posible.

La Pelota

Los thumbnails

Una buena animación empieza con una correcta planificación y el mejor medio para realizar dicha producción es a partir de los (thumbnails), pequeños dibujos rápidos donde lo esencial y primordial es captar el movimiento o acción del plano gracias a ellos podemos mirar y estudiar la puesta de escena de los personajes, la pose entre otros. Realizaremos cuantos intentos necesitemos lo importante es garantizar la fluidez de la animación y el plano más apropiados para su realización. Una vez tomada la decisión lo llevamos al papel donde vamos a animar definitivamente.

Algunos animadores fotocopian los thumbnails del tamaño requerido y a partir de allí realizan el trabajo para su animación.

Si posees problemas para fabricar tus primeros personajes aquí tienes una guía básica que te ayudara a empezar con esta ardua labor.

Los dibujos clave 

En un dibujo de péndulo los dibujos 1 y 5 son los que determinan el cambio de acción y dirección en el movimiento. Son los dibujos extremos los que nos cuentan lo que está sucediendo. 

Entre los dibujos de acción el animador determina que dibujos realizara para realizar fluidez, imaginen que 5 dibujos bastan para realizar un movimiento fluido y de transición aunque en realidad cuantos sean suficientes lo determina el ojo del animador.

Observemos el ejemplo, aquí el dibujo 3 no consigue transmitir en efecto fluido pasa de un extremo a otro sin lograr lo deseado. 

Pero si observamos el siguiente notaremos que sea tenido en cuenta el arco necesario para mantener la longitud de una cuerda que ejecuta dicho movimiento, consiguiendo así la cadencia necesaria, el dibujo 3 es el dibujo que es llamado en animación dibujo de ruptura (breakdown), el que determina el cambio de ritmo del movimiento.

Dada la importancia que tiene el dibujo 3 para el movimiento y el ritmo sean los adecuados y podamos percibir la animación concluimos que los dibujos 1y5 y el dibujo 3 de ruptura sean los adecuados y sean los clave para logran una buena animación. A su vez el animador debe planificar el dibujo 2 y 4 identificando la posible posición para dar la correcta posición de movimiento; hay que tener en cuenta que en las grandes producciones muchas de estas acciones son realizadas por distinto personal como un intercalador pero en medio masivo un solo animador debe estar en condición de ejecutarlo todo.

Si posees problemas para fabricar tus primeros personajes aquí tienes una guía básica que te ayudara a empezar con esta ardua labor.

Observemos cómo se comporta el movimiento con la secuencia de animación y el dibujo acertada.

Métodos de animación

La animación continua

Consiste en animar la acción desde el principio hasta el final del plano realizando las diversas poses en el mismo orden que serán proyectadas.

Se utiliza principalmente en acciones de ritmo complejo y enredado que plantean una dificil planificación. Este método implica una gran naturalidad, frescura y espontaneidad en la animación, ya que se basa en improvisar a partir de un estudio mental.

La desventaja es que, debido a la poca planificación general, corremos el riesgo de no terminar la acción en el lugar o momento adecuados; además, es muy probable que nuestro personaje se haya desdibujado considerablemente y suponga un trabajo extra devolverle su tamaño y estructura.

La animación pose a pose

Se estudia mentalmente la acción, se dibujan los thumbnails y se pasan al papel de animación trabajando con detenimiento las poses principales de la acción del plano. Lo esencial es cuidar al detalle los dibujos clave y planificar los demás calculando los intercalados en función del ritmo necesario.

Animaremos poses a pose en aquellos planos en que se requiera un gran control de la puesta en escena, los diálogos o los planos de interpretación del personaje.

La desventaja es que, como consecuencia de tanta planificación, tal vez perdamos algo de frescura y naturalidad.

La animación combinada

Consiste en trabajar una misma acción con los dos métodos anteriores, extrayendo las ventajas de cada uno de ellos.

Planificamos nuestra animación a partir de thumbnails; trabajamos las poses necesarias una a una y en contornos rudos que den como resultado poses bien estudiadas, pero muy abocetadas. Con ello partimos de un control y unos volúmenes y proporciones correctos del personaje.

Seguidamente, trabajamos de una pose a la siguiente en animación continua para conseguir una acción espontanea y natural. Al llegar a las poses, las utilizamos siempre y cuando nos sirvan perfectamente para definir la acción; de lo contrario, las redibujaremos y adaptaremos hasta obtener el efecto deseado.

Para finalizar, encajamos y perfilamos todas las poses clave resultantes ajustando los volúmenes y proporciones y añadiendo los detalles pertinentes.